In fondo al mar..

Se ci si inoltra nell'Oceano Atlantico nei pressi dell'isola di Grenada, nel sud dei Caraibi, si trova una meravigliosa sorpresa.

Underwatersculpture gallery è un progetto lanciato nel 2006 dallo scultore e istruttore subacqueo guyanese Jason de Caires Taylor. L’iniziativa, in continua evoluzione, ha lo scopo di celebrare la cultura caraibica e reinventare e proteggere una zona coralligena, decimata dalle recenti tempeste tropicali: le statue, infatti, realizzate in calcestruzzo e acciaio ed assicurate al substrato oceanico, generano un reef artificiale. Le loro strutture forniscono una base per la colonizzazione di coralli, alghe e spugne, così come riparo e protezione per tanti altri organismi; inoltre, attirando l'attenzione di sub e turisti su queste scogliere artificiali, le barriere naturali possono cogliere l'occasione per ripararsi e rigenerarsi.

La particolarità di queste opere consiste nell'essere studiate, progettate e realizzate per essere posizionate in acqua tenendo conto delle dimensioni (in mare tutto appare più grande del 25%), dei colori, dei giochi di luce e delle prospettive. Anche i fondali vengono scelti con cura: poco profondi, con sabbia bianca e acque cristalline, in modo che le opere possano essere apprezzate anche da barche con fondo trasparente o da sub amatoriali.

Una delle sue opere si chiama Evoluzione silenziosa e comprende circa 400 statue. Credo che possa essere ben compresa guardando queste piccole foto, prese direttamente dalla galleria online di Underwater.

Il mare e l'assenza dell'uomo suggeriscono il silenzio, mentre le opere diventano nutrimento per una nuova  vita. 

La statua scompare, tramuta, ma la sua scomparsa non è morte, ma nuova vita: la vita dei coralli.

Personalmente ci leggo due messaggi (in cui credo profondamente): l'ambiguità della morte e della vita e la capacità della natura di rigenerarsi e di rinascere.

Altre immagini sono reperibili nella galleria fotografica del MUSA (Museo Subacuatico de Arte).

Al suo progetto si è inoltre affiancato Colleen Flanigan e i due ora stanno progettando assieme una serie di statue volta a far salire il pH dell’acqua e permettere quindi ai coralli di attrarre i minerali che gli servono a costruire i loro esoscheletri (come scrive l'Atlantic). Su Il Post ho letto, inoltre, che il progetto è finanziato tramite Kickstarter, un sito internet per raccogliere microdonazioni.

Bramantino a Milano.

Qualche nota sulla mostra dedicata a Bramantino a Milano, in esposizione al Castello Sforzesco. La mostra, a cura di Giovanni Agosti, Jacopo Stoppa e Marco Tanzi, intende dar visibilità all'artista attraverso un allestimento, in ordine cronologico, che riunisce le opere presenti nella città di Milano seppur disperse tra diverse sedi (può essere una doppia occasione per vedere le opere dell'artista presenti alla Pinacoteca Ambrosiana senza dover investire 10 euro per il biglietto..che assolutamente li vale, ma effettivamente non è poco per uno studente!).

Immancabile l'Argo (qui a sinistra), ai più sconosciuto poiché il grande affresco si trova in un locale della biblioteca Trivulziana.

All'interno della stessa sala troviamo il Compianto di Cristo morto proveniente dalla Pinacoteca Ambrosiana. Purtroppo non ho un'immagine dell'opera da mostrarvi, ma il volto della Vergine merita di soffermarsi qualche minuto. La sua bocca è dischiusa, il naso arricciato  e la fronte è corrugata e illuminata dal basso (per altro, ottima la posizione del faretto che riesce a mettere in risalto la capacità del pittore di riflettere sulle possibilità espressive della luce). Seppur consapevole del valore di quel sacrificio, sorge la madre che è in lei in quello sguardo sofferente, quasi a chiedersi il perché di quella triste fine per suo figlio. Un dettaglio straziante è la ciocca di capelli che si intravede scendere dolce fra le dita della Vergine, mentre sorregge la testa del figlio, così pallido e magro..

Sempre dalla Pinacoteca Ambrosiana, l'Adorazione del bambino.

Questa strana adorazione sembra quasi svelare la tragicità del destino che si prospetta per il bambino. Il piccolo Cristo, come un bambino qualsiasi, si ciuccia un dito con aria ingenua mentre i volti contriti e l'ambiente freddo e marmoreo accennano a un'inquietudine sottesa.

L'albero che si insinua a sinistra sullo sfondo, con i suoi rami secchi e vorticosi, contribuisce a rendere l'atmosfera quasi cimiteriale, piuttosto che restituire calore alla scena.

Molto intenso anche il Noli me tangere: affresco staccato del 1500 ca, viene dalle Civiche Raccolte di Arte Antica, presenti nella pinacoteca del castello stesso. Magnifico e algido il Cristo, mentre la Maddalena è colta nel bloccarsi dal tentativo di toccarlo, con uno sguardo devoto, malinconico seppur di piena accettazione.

Al piano superiore, nella Sala del Balla, l'esposizione prosegue con i 12 arazzi, raffiguranti i Mesi.

La mostra resta aperta fino al 25 settembre ad ingresso meravigliosamente GRATUITO, anche per offrire la possibilità ai milanesi di riavvicinarsi all'arte come bene COMUNE dei cittadini. Può essere un'occasione per sfruttare diversamente la propria pausa pranzo!

Per chi fosse interessato e volesse più informazioni sugli intenti dei curatori e sulle opere presenti, vi rimando ai link sopra postati; inoltre, il Giornale dell'Arte ha pubblicato un'intervista a Giovanni Agosti, curatore della mostra.

Milano. 'Le rovine di Milano' di Giovanni Agosti | Mentelocale.it

Milano. 'Le rovine di Milano' di Giovanni Agosti | Mentelocale.it

Ci fossero più uomini come Giovanni Agosti nel campo della storia dell'arte.
Per adesso, credo che mi rifarò con la mostra da lui organizzata su Bramantino al Castello Sforzesco: mostra GRATUITA, perché chi ama l'arte sa che è un bene comune e vuole curarla, mostrarla e condividerla.

http://www.milanocastello.it/ita/mostre.html

Absinth

Jeanne Mammen, Frau mit Absintglass. 

"Apocalisse, ottavo capitolo. Si parla di assenzio. Assenzio è il nome della stella ardente nella visione di Giovanni, e adesso viene il bello: l'arbusto d'assenzio in russo si dice Černobyl'nik. Anche il resto in qualche modo concorda. Ecco l'ambivalenza della luce, dell' âge de lumière, del fuoco prometeico - la torcia che reca prima luce e poi morte, l'infocato reattore-stella cadente. Ecco i molti che per causa sua muoiono, centomila vittime delle radiazioni solo in Bielorussia. Ecco le sorgenti contaminate in un terzo delle terre a sud. Ecco l'amaro, l'assenzio, e questo è l'inquietante della storia, che tanto piace ai russi: è tutto un gioco di parole oggettivo, non inventato, se mai può essercene uno simile. Il verbo era prima dell'azione, l'immagine prima dell'evento. Giovanni è una visione, Černobyl una sciagura, ma insieme rappresentano la parabola dell'assenzio"

Wolfgang Büscher, Berlino-Mosca. Un viaggio a piedi, Voland, 2005.

La parabola dell'assenzio apre questo nuovo post dedicato alla Fata Verde. Chi non conosce la storia di questa bevanda, polline per i bohémien in cerca di oblio poi proibito come pericoloso veleno che annebbiava le menti, può dare una spolverata su questa pagina di stampa alternativa, dedicata al libro di Alex Panigada sulla storia di questo liquore.

Liscio

Una sorta di rituale iniziatico accompagna la mescita della bevanda, che viene servita lasciando scorrere un po di liquore nel fondo di un calice di forma svasata. Subito dopo viene appoggiato al bordo del calice un cucchiaino forato che sorregge una zolletta di zucchero su cui si lascia colare lentamente dell’acqua fresca per diluirlo, addolcendolo.

Flambè o bohemiènne

Alla francese

Le ore scorrono mute e silenziose in compagnia di un bicchiere dove è stato versato l’infuso, mentre in breve tempo un leggero e gradevole senso di stordimento, di lontananza dalla realtà si impadronisce del bevitore, incapace di liberarsi dal suo abbraccio mortale.





Il tema del bevitore d'assenzio viene affrontato da molteplici pittori e scrittori, spesso legato al tentativo di leggere ed esprimere lo sguardo assente del bevitore.

Degas, L'assenzio, 1876, Museé d'Orsay.

Nella tela di Degas, ad esempio, la scena si svolge all'interno di un caffè, luogo deputato agli incontri alla moda. Eppure il pittore ci mostra una donna e un uomo, seduti l'uno a fianco all'altro ma chiusi nel loro isolamento silenzioso. Ciò che colpisce è lo suo sguardo stanco della donna, perso nel vuoto, i suoi lineamenti sfatti e la sua figura abbandonata sullo schienale nell'opprimente clima dell'ambiente circostante. L'uomo è seduto al suo fianco ma non ha contatto con la donna; la sua figura sfuma lentamente nello sfondo, quasi fosse più parte dell'arredamento che uno dei soggetti del quadro. Il vero soggetto e il vero compagno della donna è il calice di assenzio, posto proprio di fronte a lei. In primo piano, lo spazio vuoto e il tavolino in scorcio con una bottiglia rovesciata, danno ancor maggiore enfasi all'estraniamento dei due.

Picasso, Bevitrice d'assenzio, 1901,
The State Hermitage Museum.

Ben diversa è la bevitrice di Picasso. Nonostante l'occhio semi dischiuso, sintomo evidente dello stato alterato della bevitrice, l'espressione del suo sguardo e la posa delineano comunque una figura più assorta e concentrata. Ha lunghe dita con cui si stringe entro se stessa, in un raccoglimento nervoso e forte; lo sguardo vola oltre, quasi senza accorgersi del bicchiere di fronte a sé. Sta viaggiando seduta, persa nei suoi pensieri, seria con i suoi lineamenti decisi e la bocca serrata; non è assente come nell'abbandono della donna nel quadro precedente. 

Picasso proporrà diverse tele incentrate su questo tema. Voglio qui accennare solo a un'altra dello stesso, a distanza di un anno, per mostrare le infinite possibilità di interpretazione del tema.

In questo caso, la donna ha gli occhi chiusi, il viso scarno ed è accucciata nel suo spesso manto. La tela è dominata dai toni del blu e del grigio-argento, toni freddi che affiancati al gesto di chiusura del corpo e all'assenza di qualsiasi dettaglio al di fuori della donna e del suo bicchiere vuoto, accentuano il senso di freddo e tristezza per la sua solitudine senza orizzonti.

Esparbés,  Le buveur d'absinthe  

Ben diversa è la resa del soggetto nel quadro di Jean d'Esparbés. Qui il bevitore è colto nello slancio del bere e non più nei successivi istanti. I capelli al vento e la mano destra scomposta rendono la foga del gesto. I colori confusi e mescolati creano un caotico vortice cromatico in cui la realtà si dilata e scompare, sotto l'effetto dello stordimento dato dal liquore.

L. Mednyanszky, absinth drinker, c. 1898.
Hungarian National Gallery.

La solitudine, una tensione visionaria, la foga e la volontà di estraniarsi dalla realtà e infine..

il delirio.

Mednyanszky riesce a rapire quel brivido di follia, dovuto al vaneggiamento per l'eccessiva ebbrezza, in questo sguardo sgranato, quasi spaventoso. Ha il viso sfigurato dall'ubriachezza e il corpo che lentamente si lascia andare spostando tutto il peso in avanti sul tavolo.

Le dicerie sul “principio attivo” che portava a pazzia e delirium tremens furono gli espedienti per metterlo al bando. L’assenzio era bevuto tutti i giorni, prima di rientrare a casa dopo una giornata di lavoro, tra le 5 e le 7 pomeridiane, nell’ora dell’aperitivo, che aveva preso il nome di heure verte (l’ora verde), proprio perché l’aperitivo in questione era l’assenzio.

Evasioni mentali

Un omaggio a Enrico Ferrarini, a Bruce Chatwin.

Enrico Ferrarini, Evasion, Gypsum, 40 x 28 x 16 cm, 2008.

Di ritorno dall'Africa, rimase amaramente deluso nello scoprire di non essere né africano né europeo. Ben presto si rese conto di essere libero, libero di comporre quel che voleva. Una massima sufi dice: "La libertà è assenza di scelta".

B. Chatwin, Che ci faccio qui?_Kevin  Volans.

Seung Mo Park, tra luce e fili metallici

"La vita è questo, una scheggia di luce che finisce nella notte"

Louis-Ferdinand Céline

Seung Mo Park è un artista coreano che crea dei ritratti con reti metalliche. Come io stessa ho appreso grazie all'articolo su Collater.al:

"Ogni opera inizia con una fotografia proiettata cui l’artista sovrappone strati di rete e fil di ferro. Lavorando quindi per sottrazione, Park ritaglia lentamente porzioni di rete, in modo da far apparire il ritratto con ombre e sfumature. Ogni piano o strato che forma l’immagine finale è posto a qualche centimetro di distanza dall’altro, dando così ai ritratti una certa profondità e tridimensionalità".

Non c'è respiro fra i serrati fili metallici, eppure il soggetto nasce liberandosi fra le fitte maglie delle reti, in un profondo gioco di ombre e luci, di pieni e vuoti. All'ombra tutto tace, poi giunge la luce dal profondo e il soggetto può offrirsi allo sguardo.

Nel video successivo, a partire dal minuto 2, potete vedere direttamente come realizza le sue opere.